Blues para novatos (2): Howlin’ Wolf

Howlin Wolf

Blues para novatos (2): Howlin’ Wolf

A principios de los sesenta gente como Mick Jagger o Buddy Guy soñaban con convertirse en Howlin’ Wolf. Nacido en 1910 a orillas del Mississippi, aprendió a modular su voz en los campos de algodón y la rellenó (paradoja) con las influencias del country blanco,en especial el cantante Jimmie Rodgers. Esta mezcla de raíz negra y blanca le dio una forma de cantar peculiar, llena de giros y “aullidos”, de ahí el apodo de “Howlin”.

Se dedicó a ganarse la vida para una audiencia reducida del sur en los años cuarenta (llegó a tener su propio programa de radio). No logró cierto reconocimiento comercial hasta que editó su primer single con la compañía Chess en 1951, de la mano de Sam Phillips (descubridor de Elvis poco después). Aquel año se mudó a Chicago, se dedicó a grabar canciones, tocar en garitos, enamorarse y tener dos hijos. Su primer álbum, una recopilación de sencillos, se editó en 1959: Moanin’ in the moonlight se convirtió en un icono para los cantantes blancos del boom británico de los sesenta con canciones como Smokestack lightnin’, How many more years? o Evil (is going on) . A su lado, genios como Willie Dixon, Sam Phillips o Willie Johnson, y todo el poder de los hermanos Chess. Cantaba, tocaba la armónica o la guitarra indistintamente.

Los años sesenta le encumbraron con algunas de sus grabaciones más famosas (Back door man, Spoonful) y el reconocimiento de jóvenes y brillantes músicos de la época, como Eric Clapton, Steve Winwood o los Rolling Stones, quienes le llevaron a actuar con ellos. Versiones suyas grabaron The Doors o Cream. Al final de la década su salud se resintió y sufrió varios ataques al corazón. Un violento accidente de coche en 1970 prácticamente le dejó incapacitado. Hasta su muerte en 1976 su actividad fue cada vez menor y sus conciertos muy cortos.

He aquí una pequeña gran selección de este monstruo de las cuerdas vocales y excelente compositor.

Howlin’ Wolf – Smokestack lightnin’

 

Howlin’ Wolf – Spoonful

 

Howlin’ Wolf – I’ve been abused

 

Howlin’ Wolf – Evil (is going on)

 

 

Los Lugërs – Ritual – 2015

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Los Lügers – Ritual – 2015

El trío aragonés Los Lügers han vuelto a publicar un álbum directo como un misil Tomahawk y afilado como una cuchilla de duramantium. Mantienen su estilo anclado entre Motorhead, Turbonegro, Misfits y muchos ramalazos a clásicos del hard rock de los noventa, un power trío volcánico sin ningún tipo de freno. Han centrado las letras en historias de cine sobre condenados, sangre, licántropos y el mismo diablo.

El alma del grupo sigue siendo Lex Lüger, guitarra y voz, acompañado para la grabación de Skull Lüger a la batería y Ace Lüger al bajo, quien recientemente ha abandonado el grupo y ha sido sustituido por otro “hermano” de nombre Barlow Lüger. El álbum lo ha producido Xavi Estivill.

Los Lügers comienzan con una intro (Ritual) y la brutal Venganza,primer single, con el sonido más Lemmy de todo el álbum. Los-Lugers-banda-e1432109073303Aullidos sirve de ejemplo completo al conjunto del disco: riff veloz sobre una base rítmica compacta, línea vocal melódica y un estribillo para poder cantar en directo, un solo logrado y cortito y un final para saltar, todo en poco más de tres minutos. Psycho se vuelve un poco más oscura y rítmica con la historia de un psicópata que se cura con la sangre de sus víctimas, recordando la historia de American Psycho. Una de mis favoritas, Terror ciego, vuelve a las armonías de guitarra algo más accesibles y al coro pegadizo, un interludio y un solo acertado para el gran final.

La historia de Lobo adolescente no está muy lograda pero la melodía y el riff principal enganchan. En cambio, Las puertas vuelve a una senda más hard rock, con buena pegada y una construcción interesante. Más decantada hacia Misfits suena Nosferatu, apenas dos minutos de pogo y baile demoníaco. Y para cerrar, un homenaje a la película del mismo título, Jóvenes ocultos, vampiros adolescentes, que comienza con una intro espectacular, otro buen riff y una línea vocal con un puente cortante y un estribillo de los que merecen la pena, muy bien cantada.

El álbum lo puedes escuchar entero en bandcamp y adquirirlo a través de su web. Un buen artefacto, ruidoso, construido con rabia y buen gusto… por lo oculto. ¡¡¡Terrock!!!

Los Lügers – Ritual 

Sexo en el rock (6): solo lo hago en mi moto (sexo sobre ruedas)

Sexo sobre ruedas 1

Sexo y rock (6) – Sexo sobre ruedas

Es otro de los clásicos postadolescentes. Bueno, y de apretones a cualquier edad. Tener sexo en el asiento de atrás del coche. O tener sexo indiscreto mientras conduces. O, ¿por qué no subido en tu moto? De camiones no he encontrado ninguna pero seguro que alguien por aquí sugiere una.

Nuestra pequeña selección de las experiencias que nuestras estrellas roqueras han tenido dentro (o encima) de sus vehículos.

Obús – Solo lo hago en mi moto

El inspirador por excelencia del sexo sobre ruedas, el gran Fortu (cantante de Obús), se lo hace en su moto y asegura que te va a gustar. Rodando fuera de control, teniendo sexo sobre ruedas. Tentador.

 

Van Halen – Panama

Al vicioso de David Lee Roth (cantante de Van Halen) le dijeron en una entrevista que en sus canciones solo hablaba de chicas o coches. Se picó y decidió hacer una canción sobre ambos temas. Panama se dedicó a hablar con la entrepierna de David mientras él intentaba llevarla a casa.

 

Nickelback – Animals

Quizá inspirado por la anterior tonadilla, Chad Kroeger canta una inspirada relación al volante de su coche: las manos de su acompañante entre sus piernas mientras él maneja el volante.

 

Bruce Springsteen – Fire

El bueno de Bruce conduce su coche y, un poco macho-man, le dice a la chica que es imposible que se resista. Tú dices que no me amas pero cuando me beses… Fire!

 

Bob Seger – Night moves

En el asiento trasero de su Chevy,  Bob comparte misterios en el dulce y tórrido verano. Las películas al “aire libre” son otra cosa con un coche y buena compañía.

 

Meatloaf – Paradise by the dashboard light

Una historia con final… ¿feliz? Mr. Meatloaf tuvo que prometer a su compañera amarla hasta el fin de los días para poder “pasar a mayores”. Y ahora se lamenta esperando que ese “final” llegue pronto…

 

 Poison – Talk dirty to me

Fíjate el vicioso de Bret Michaels (cantante de Poison). Se lleva a la chica al rinconcito de atrás y le pide que le diga cositas sucias al oído. Pillín.

 

Loquillo y Los Trogloditas – Cadillac solitario

A un viejo Cadillac segunda mano Loquillo sube a sus conquistas. Pero, cuando se queda solo, sentado en su coche, fumando, echa de menos a una chica en concreto, parado en una curva, al amanecer… La mejor para su asiento de atrás.

 

Si te ha gustado, echa un ojo y dos orejas a nuestra sección de SEXO EN EL ROCK

 

 

Los Suaves – Maldita sea mi suerte – 1991

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Los Suaves – Maldita sea mi suerte – 1991

Aunque llevaban diez años dando guerra ya, Los Suaves a principios de los años noventa contaban con tan solo tres discos en estudio y un doble directo (Suave es la noche ). Y, por increíble que parezca, eran una banda en evolución que llegaron con este Maldita sea mi suerte a su mejor momento, inspirados para grabar un álbum repleto de grandes canciones, maduro, rocoso en el corazón y duro en las letras, pero con viscerales momentos de amor desarraigado. Además, Yosi (cantante, guitarra y principal compositor y letrista) pone voz al desarraigo del que vive en la calle (Pardao), al abuso sexual de menores (Pobre Sara), al traicionado por la vida (Parece que aún fue ayer) y al que languidece en su soledad (Pensando en ti). Y, eso sí, mucho rock y mucha fiesta (Dame rock and roll).

Por entonces Los Suaves lo conformaban Yosi, Ramón “Montxo” Costoya y Alberto Cereijo (debutando) a las guitarras, Carlos “Charli” Los suaves doble cedeDomínguez al bajo y Angel “Gelo” Barrio a la batería. El álbum se grabó en los estudios Kirios de Madrid en la primavera de 1991, con Juan Miguel Sánchez a los mandos y la colaboración de Pedro García y Alfredo de La Fuente a los controles. Se marcaron un álbum doble (también en cedé) con nueve canciones más dos versiones acústicas de regalo.

El comienzo con Viajando al fin de la noche no puede ser más directo: buenos riffs, un intercambio de solos y cambios, con una letra donde se suplica un nuevo corazón para seguir adelante, arena en los oídos y piedras en el alma. La gran sorpresa en el segundo corte: Pardao comienza en acústico, una guitarra de doce cuerdas, para ir subiendo de tono, sumando guitarras, capas, arreglos, hasta completar la historia de este don Nadie que se dedica con su vieja guitarra a recorrer la calle. Diez minutos de sube y baja,  intercambio de momentos acústicos y eléctricos y un fantástico final, un auténtico trallazo heavy rock que se funde con las acústicas y el ruido de la calle y la voz de Carlos Pina (Panzer), que escupe un discurso tan actual como trágico.

Los Suaves – Pardao

 

Una de mis favoritas de los gallegos vuelve a menearnos el culo. Parece que aún fue ayer combina el lamento de quien desespera por haber perdido sus ilusiones con un riff sencillo y bien arreglado, una estupenda línea de bajo y, de nuevo, la guitarra del joven Cereijo impresionando, con esa combinación de técnica y feeling tan característica. Sencilla, clásico estilo de la banda, efectiva, te engancha. Sube el tono y el ritmo para Maldita sea mi suerte, uno de los cortes más breves, pero con unos punteos acertados y buena batería: lo mejor la parte final, con la guitarra distorsionada, los efectos sonoros y los coros.

Pobre Sara suena en nuestros oídos con un mensaje terrible, el del abuso que sufre una niña por parte de su padre noche tras noche (“tan solo quince años y ahora se ahoga empezando a nadar”). Inicia un riff típico de Yosi al que sigue un ritmo sincopado y cortante bajo la voz principal. Una canción sin estribillo, pues aunque la estructura melódica se repite la letra cambia a medida que la historia avanza, hasta culminar con un terrible “nunca le conté a nadie por qué aquella noche Sara murió”. Una confesión donde es palpable cómo Yosi, más allá de sus peculiaridades y limitaciones técnicas como cantante, vive las canciones, las hace grandes con su dramatismo apasionado.

Los suaves doble viniloEs increíble que se atrevieran con un tema de casi veinte minutos en los que tres cuartas partes las llena un extenso intercambio de solos de guitarra a cargo de una docena de invitados, entre los que destacan gente como Alvin Lee (Ten Years After), Carlos Raya (Sangre Azul, MClan), Gero (Ñu, Saratoga), Manolo Arias (Niagara, Bella Bestia) o Paco Ventura (Medina Azahara). Más allá de la curiosidad y tratar de adivinar quién es quién, La noche se muere vuelve al ritmo veloz y tiene un buen estribillo. Tras esta orgásmica apuesta, y un comienzo donde Cereijo demuestra su amor por un tal Eddie Van Halen, el clásico rock twin guitars de Dame rock and roll suena a gloria, con Thin Lizzy encapotado por ahí. Tres minutos (sin la intro) de fuera tonterías, dame fiesta que “es fin de semana y queremos acción” y a gritar saltando sudorosos.

El sonido de todo el álbum marcó los siguientes años de la banda, pero en especial se nota en Tiempo perdido. Cereijo resultó un gran acierto para orientar el cambio de estilo, darle más técnica, más estructura y más empaque a las excelentes composiciones de Yosi. Armónica incluida, sirve como confesionario del perdedor “me han quitado a mi mujer, mi amante no me hace caso (…) en esta historia, hermano, siempre nos toca perder”. Para cerrar, Pensando en ti, otro desolador poema donde recordar a tempranas horas de la mañana el amor, las fiestas antiguas y la caída en el alcohol, redundante en la discografía de Los Suaves. La canción tiene una estructura sencilla y algunos buenos pasajes melódicos, aunque, la verdad, en comparación con el resto del álbum se queda a medio camino.

El disco contiene, además, sendas versiones acústicas de Tiempo perdido y Parece que aún fue ayer, algo descafeinadas pero bien arregladas, y un mensaje oculto de Yosi: entre ruidos de animales, narra al revés una frase de Blade Runner. Si quieres escucharla, debes girar el vinilo al revés… Tecnología antigua, baby.

Los Suaves – Maldita sea mi suerte

Guerra de Décadas (6): Rush

Rush

Guerra de décadas: Rush 70 vs. Rush 80

De vez en cuando en el blog nos gusta crear polémica, y en esta sección titulada Guerra de décadas enfrentamos la producción musical de diferentes épocas en el recorrido de grandes bandas del rock. Hoy, nos atrevemos con uno de los mitos del rock progresivo: Rush. Desde sus inicios a principios de los setenta hasta hoy en día han acumulado suficiente material de calidad para mantenernos un fin de semana atentos sin parar. Sus épocas más populares, quizá las mejores, fueron los años setenta y los años ochenta. Enfrentémoslos.

En los setenta editaron seis discos en estudio en apenas seis años, incluyendo maravillas como A farewell to kings o 2112, y un directo. Desarrollaron su estilo complejo, lleno de matices y arreglos, donde la voz de Geddy Lee, la guitarra de Alex Lifeson y la increíble percusión de Neil Pearl asombraban.

Llegaron los ochenta con un giro hacia temas más cortos , sintetizadores y estructuras menos cargadas, pero sin perder la calidad técnica y compositiva. El álbum de 1980 Permanent waves ya les ponía en las listas de ventas pero fue el siguiente Moving pictures el que les catapultó al estrellato. En esta década, ocho largos en estudio y dos directos.

¿Qué época fue mejor? ¿Prefieres las canciones de los setenta o las producciones de los ochenta? Aquí os dejo una muestra de cada para decidir.

Rush 70s

2112

Closer to the heart

La Villa Strangiato

Rush 80s

The spirit of radio

Tom Sawyer

The big money

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Manowar – Fighting the world – 1987

Manowar – Fighting the world

Manowar llevaban dando tumbos por el mundo del metal desde los primeros 80. Tras cuatro trabajos, incluyendo el genial Sign of the hammer,  se revelaron como una gran banda de metal “comercial” con este su quinto trabajo Fighting the World, considerado hoy en día uno de los mejores trabajos del grupo y del propio género metalero. Joey Demaio (bajista y principal compositor) conoció a Ross the Boss (guitarrista) durante la gira Heaven and Hell de Black Sabbath; Joey era técnico de la banda y Ross telonero. En poco tiempo juntaron la formación clásica del grupo, que grabó este álbum, con Eric Adams a la voz y el portentoso Scott Columbus a la batería.

En la época de los pelos cardados, las power ballads y el pop metal, estos cuatro se propusieron ser los auténticos reyes del metal y empezaron, medio en broma y medio en serio, una campaña musical para “matar” al falso metal. Esta es la filosofía de las letras de Fighting the World y en esta clave deben interpretarse: nosotros, los verdaderos, luchamos con nuestra sangre contra la mediocridad reinante.

Arrogancias y poses aparte, no cabe duda que nos encontramos ante un clásico del heavy metal, con un sonido muy influenciado por grupos como Judas Priest o los Black Sabbath de Dio, y una producción limpia y compacta. Lo curioso es que consiguieron mezclar con maestría los sonidos del hard americano con el poderoso heavy metal británico. Además, se vanagloriaban de haber grabado el primer álbum de metal en formato digital, lo cual era mucho para aquella época. La portada rinde homenaje (o copia) a la del Destroyer de Kiss.

La primera canción es el primer himno, el tema título, Fighting the world, compendia todo lo que hay aquí. Intro de batería, una guitarra machacando un riff  melódico, el grito de los guerreros y la voz de Adams invitando a la lucha en favor del heavy metal. Construcción muy hard apoyada en el ritmo del bajo. Tremendo estribillo.

En Blow your speakers la mezcla de hard&heavy se hace muy patente. Ritmo y sonido roquero para un estribillo bestial que invita (como la letra) a subir el volumen y gritar. Composición sencilla, vibrante, que pretende servir de acicate contra la comercialidad de la MTV (a la que va dirigida). El tema estrella, sin duda, el tercero: Carry on. Pegadiza, con una entrada suave de acústica, casi íntima, el estribillo con la batería de fondo y aparecen todos los instrumentos como un ejército cabalgando tras la voz de Adams. Soberbia muestra de cómo hacer un tema comercial y radiable sin salirse de los parámetros metaleros. Si al final de este temazo no estás saltando desgañitado con los cuernos al aire tú no eres heavy y punto. Violence and bloodshed comienza con una sirena, explosiones y disparos. Letra controvertida por cuanto defiende el uso de las armas y la violencia para defenderse. La canción presenta una voz con unos agudos impresionante. El conjunto es como un tanque avanzando sin piedad, con la guitarra de Boss haciendo uno de los solos más conseguidos del disco.

Manowar – Carry on

A partir de aquí podríamos decir que la épica toma el poder, con tres canciones entre las que se intercalan dos intermezzos. Defender es una larga declamación de Orson Wells (grabada para el primer álbum pero que no fue utilizada) sobre la que se añade música. A los dos minutos, mientras la declamación termina, se entremezcla brillantemente la voz de Adams continuando con la temática de los defensores (¿de la fe metálica?); me encanta el trabajo de guitarra a lo largo de todo el tema. Tras una breve  Drums of doom, el temazo Holy War donde el bajo de Demaio sirve de hilo conductor a esta reafirmación de la “santa” cruzada de Manowar a través de un temazo intenso y trabajado. Estribillo monumental donde el doble bombo y la voz te destrozan, y un insuperable Ross the Boss termina de rematar la faena. Me lo escucharía diez veces seguidas. Master of Revenge une con la siguiente canción como si se tratara de una mini-óperaBlack wind, fire and steel. Comienza con el bajo a toda velocidad, línea de voz melódica pero agresiva y el resto de la banda entra en tropel para el estribillo hiperpegadizo. Estructura muy básica pero muy lograda. ¿Para qué complicarse más cuando puedes hacerlo tan bien con tan poco? Para destacar de nuevo el solo de guitarra.

En fin, discazo que cabe en poco más de treinta minutos, uno de los imprescindibles en cualquier heavyteca. Y ya sabes… death to false metal!!!!!

Manowar – Holy war

Blues para novatos (1): Elmore James

Elmore James

 

Blues para novatos – Elmore James

Esta semana se cumplen cincuenta y dos años de la muerte de este pionero del blues. Nacido en Mississippi, en un lugar llamado Holmes County, allá por 1918, pronto se dedicó a la música. A lo largo de los muchos singles que publicó, en los años cincuenta y primeros sesenta, desarrolló un estilo original de tocar el slide, por lo que se le conoce como “King of the Delta Slide”. Numerosos artistas a lo largo de estas décadas han hecho versiones de sus temas: Steve Ray Vaughan, George Thorogood, Jimi Hendrix, John Mayall, Eric Clapton. A estos monstruos podemos sumar todos los que reconocen en Elmore a un maestro, y no solo dentro del blues, si no de guitarristas tan populares como B.B. King, Chuck Berry, Keith Richards o George Harrison.

Elmore modificó los amplificadores de su época para darle un sonido rudo y distorsionado (para los años cincuenta). Esto, junto con su particular técnica a las seis cuerdas, su personalísima voz y la entrega en sus interpretaciones le llevaron a la popularidad dentro del género. Desarrolló la mayor parte de su carrera en Chicago, formando una banda estable con gente como Little Johnny Jones al piano de nombre The Broomdusters.

Murió de un ataque al corazón el 24 de mayo de 1963. Es uno de los pocos artistas incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame y el Blues Foundation’s Hall of Fame.

Aquí os dejo una pequeña selección de su música.

Elmore James – Dust my broom

Elmore James – The sky is crying

Elmere James – Shake your money maker

Elmore James – Rollin’ and Tumblin’

 

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