Manowar – Fighting the world – 1987

Manowar – Fighting the world

Manowar llevaban dando tumbos por el mundo del metal desde los primeros 80. Tras cuatro trabajos, incluyendo el genial Sign of the hammer,  se revelaron como una gran banda de metal “comercial” con este su quinto trabajo Fighting the World, considerado hoy en día uno de los mejores trabajos del grupo y del propio género metalero. Joey Demaio (bajista y principal compositor) conoció a Ross the Boss (guitarrista) durante la gira Heaven and Hell de Black Sabbath; Joey era técnico de la banda y Ross telonero. En poco tiempo juntaron la formación clásica del grupo, que grabó este álbum, con Eric Adams a la voz y el portentoso Scott Columbus a la batería.

En la época de los pelos cardados, las power ballads y el pop metal, estos cuatro se propusieron ser los auténticos reyes del metal y empezaron, medio en broma y medio en serio, una campaña musical para “matar” al falso metal. Esta es la filosofía de las letras de Fighting the World y en esta clave deben interpretarse: nosotros, los verdaderos, luchamos con nuestra sangre contra la mediocridad reinante.

Arrogancias y poses aparte, no cabe duda que nos encontramos ante un clásico del heavy metal, con un sonido muy influenciado por grupos como Judas Priest o los Black Sabbath de Dio, y una producción limpia y compacta. Lo curioso es que consiguieron mezclar con maestría los sonidos del hard americano con el poderoso heavy metal británico. Además, se vanagloriaban de haber grabado el primer álbum de metal en formato digital, lo cual era mucho para aquella época. La portada rinde homenaje (o copia) a la del Destroyer de Kiss.

La primera canción es el primer himno, el tema título, Fighting the world, compendia todo lo que hay aquí. Intro de batería, una guitarra machacando un riff  melódico, el grito de los guerreros y la voz de Adams invitando a la lucha en favor del heavy metal. Construcción muy hard apoyada en el ritmo del bajo. Tremendo estribillo.

En Blow your speakers la mezcla de hard&heavy se hace muy patente. Ritmo y sonido roquero para un estribillo bestial que invita (como la letra) a subir el volumen y gritar. Composición sencilla, vibrante, que pretende servir de acicate contra la comercialidad de la MTV (a la que va dirigida). El tema estrella, sin duda, el tercero: Carry on. Pegadiza, con una entrada suave de acústica, casi íntima, el estribillo con la batería de fondo y aparecen todos los instrumentos como un ejército cabalgando tras la voz de Adams. Soberbia muestra de cómo hacer un tema comercial y radiable sin salirse de los parámetros metaleros. Si al final de este temazo no estás saltando desgañitado con los cuernos al aire tú no eres heavy y punto. Violence and bloodshed comienza con una sirena, explosiones y disparos. Letra controvertida por cuanto defiende el uso de las armas y la violencia para defenderse. La canción presenta una voz con unos agudos impresionante. El conjunto es como un tanque avanzando sin piedad, con la guitarra de Boss haciendo uno de los solos más conseguidos del disco.

Manowar – Carry on

A partir de aquí podríamos decir que la épica toma el poder, con tres canciones entre las que se intercalan dos intermezzos. Defender es una larga declamación de Orson Wells (grabada para el primer álbum pero que no fue utilizada) sobre la que se añade música. A los dos minutos, mientras la declamación termina, se entremezcla brillantemente la voz de Adams continuando con la temática de los defensores (¿de la fe metálica?); me encanta el trabajo de guitarra a lo largo de todo el tema. Tras una breve  Drums of doom, el temazo Holy War donde el bajo de Demaio sirve de hilo conductor a esta reafirmación de la “santa” cruzada de Manowar a través de un temazo intenso y trabajado. Estribillo monumental donde el doble bombo y la voz te destrozan, y un insuperable Ross the Boss termina de rematar la faena. Me lo escucharía diez veces seguidas. Master of Revenge une con la siguiente canción como si se tratara de una mini-óperaBlack wind, fire and steel. Comienza con el bajo a toda velocidad, línea de voz melódica pero agresiva y el resto de la banda entra en tropel para el estribillo hiperpegadizo. Estructura muy básica pero muy lograda. ¿Para qué complicarse más cuando puedes hacerlo tan bien con tan poco? Para destacar de nuevo el solo de guitarra.

En fin, discazo que cabe en poco más de treinta minutos, uno de los imprescindibles en cualquier heavyteca. Y ya sabes… death to false metal!!!!!

Manowar – Holy war

Blues para novatos (1): Elmore James

Elmore James

 

Blues para novatos – Elmore James

Esta semana se cumplen cincuenta y dos años de la muerte de este pionero del blues. Nacido en Mississippi, en un lugar llamado Holmes County, allá por 1918, pronto se dedicó a la música. A lo largo de los muchos singles que publicó, en los años cincuenta y primeros sesenta, desarrolló un estilo original de tocar el slide, por lo que se le conoce como “King of the Delta Slide”. Numerosos artistas a lo largo de estas décadas han hecho versiones de sus temas: Steve Ray Vaughan, George Thorogood, Jimi Hendrix, John Mayall, Eric Clapton. A estos monstruos podemos sumar todos los que reconocen en Elmore a un maestro, y no solo dentro del blues, si no de guitarristas tan populares como B.B. King, Chuck Berry, Keith Richards o George Harrison.

Elmore modificó los amplificadores de su época para darle un sonido rudo y distorsionado (para los años cincuenta). Esto, junto con su particular técnica a las seis cuerdas, su personalísima voz y la entrega en sus interpretaciones le llevaron a la popularidad dentro del género. Desarrolló la mayor parte de su carrera en Chicago, formando una banda estable con gente como Little Johnny Jones al piano de nombre The Broomdusters.

Murió de un ataque al corazón el 24 de mayo de 1963. Es uno de los pocos artistas incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame y el Blues Foundation’s Hall of Fame.

Aquí os dejo una pequeña selección de su música.

Elmore James – Dust my broom

Elmore James – The sky is crying

Elmere James – Shake your money maker

Elmore James – Rollin’ and Tumblin’

 

Topo – Marea negra – 1982

Marea Negra

Topo – Marea negra – 1982

Parece mentira que treinta y tres años después las letras de este álbum de Topo sigan de tanta actualidad: las colas del paro juvenil (Los chicos están mal), la contaminación (Marea negra), la prevaricación y el abuso del poder (El blues del dandy), la guerra y la lucha de fronteras (Guerra fría) o la dependencia de lo tecnológico (El apagón).

La banda que grabó este Marea negra la formaban Jose Luis Jiménez al bajo y la voz principal, Lele Laina a las guitarras y a la voz, Terry Barrios a la batería y a la voz y Victor Ruiz a las teclas. Contaron con la colaboración de algunos amigos, como Mariano Díaz (piano) o Paco Palacios (guitarras). Fue producido por Carlos Narea con la colaboración de Miguel Ríos para CBS/Epic.

Cantante urbano es una de las mejores del disco, y, por qué no, de la discografía de Topo. Tiene todo lo bueno del grupo. Una letra topo_s_loschicosexcelente, cambios de ritmo acertados, una línea de bajo que cobra constantemente protagonismo, buenos solos de guitarra y la batería de Terry marcando tempos y cambios a la perfección. La voz de Jose Luis nunca ha sido de concurso, pero sabe cómo interpretar cada canción, mantener la melodía, darle giros personalísimos, y en esta canción lo borda. Otra grande se titula Marea negra. Esa intro pone alerta tus sentidos, te sumerge al fondo del océano y desde allí te enganchas a la protesta antidegradación(“olas de plástico”). Suenan a unos Leño progresivos con arreglos de teclado, ahí lo dejo. Otra de mis favoritas, cantada por Terry Barrios, cierra el disco. Ciudadano Universal reclama desde su rock poderoso, rápido, la individualidad común que debe despertar y “cambiar el mundo”, con una guitarra acertada siempre jugando con la pareja rítmica, muy buenos cambios. El propio Barrios da una lección de pegada y manejo de los tempos.

Un rock vacilón para denunciar la interminable cola del paro y la falta de perspectivas juveniles en Los chicos están mal, con un toque popero en el estribillo, otra gran lección de bajo y un buen teclado. El blues con segundas se cuela para dar vida al protagonista de El blues del dandy, un ricachón con influencias. También en clave de rock con aires psicodélicos en los arreglos una directa Después del concierto, animando a una fan a seguir bailando al acabar la música; destaca el riff de guitarra y bajo. Colores es una joyita pop rock con aires Beatles donde el bajo de Jiménez se come el tema, lo comanda, apoyando la estupenda melodía vocal. Una balada futurista para El apagón, mitad reclamo de la dependencia tecnológica de las ciudades, mitad canto a la esperanza de la preponderancia de lo humano, con la llegada del amanecer. Y nos falta el rock blues de Guerra fría, con uno de los mejores trabajos de Lele y Victor Ruiz.

Un disco completo, con un sonido y unas letras muy actuales, donde todos los músicos lo bordan y tienen su espacio para lucirse. Aunque, en el fondo, lo importante aquí no son las individualidades, si no las grandes composiciones que conforman uno de los más completos discos del rock en español. Topo y su Marea negra.

Topo – Marea negra

 

Topo – Colores

Las mejores canciones de Bon Jovi… en el siglo XXI

Bon Jovi

Las mejores canciones de Bon Jovi en el siglo XXI

Entró Bon Jovi en el nuevo milenio con un disco ecléctico e irregular de título Crush donde se mezclaban grandes canciones roqueras con fallidos medios tiempos y baladas; consiguió un gran número uno en singles y buenas ventas. Siguió dos años después con algo más de músculo, pero Bounce resultó decepcionante por insípido y esa producción sobrecargada, asfixiante en ciertos momentos, aunque, de nuevo, los temas más hard (y alguna balada) podían salvarse. El, para mi gusto, mejor álbum del presente siglo, Have a nice day, vio la luz en 2005: buen single, producción y composición más homogéneas, menos electrónica y más punch, aunque algo plano por momentos. La ilusión se rompió con (no sé en qué estarían pensando) Lost highway, lleno de imaginería pop-country y temas de relleno. Un empujón hacia el rock melódico en 2009 con el más que aceptable The circlealgunos temas bien trabajados y ciertos momentos de inspiración. El final (hasta el momento) What about now volvió a dejar un sabor de boca raro, como mezclar palomitas con sardinas, un pie en el pop y otro en no se sabe dónde.

Lo que no puede negarse es la inconfundible forma de cantar y componer de Jon Bon Jovi, quien se ha convertido en el líder único y responsable de la dirección musical del grupo todos estos años. Aun con álbumes mediocres, siempre nos entrega canciones estupendas. Y mantiene el tipo en los directos, a pesar de los años. La pérdida de carácter y protagonismo de Richie Sambora (guitarrista) hasta terminar fuera del grupo ha significado una merma musical, sin duda, pero, sobre todo, una falta de equilibrio en el sonido de Bon Jovi, acentuando la personalidad de Jon y sus necesidades como músico y hombre de negocios.

Con todo esto, hemos seleccionado los que consideramos las diez mejores canciones de este siglo. Ahí van.

It’s my life

Two story town

Just older

Next 100 years

The distance

Have a nice day

Complicated

Last cigarette

Thorn in my side

Live before you die

 

 

Versioneando: las mejores versiones de Grand Funk Railroad

Grand Funk 1

 

Versioneando: las mejores versiones de Grand Funk Railroad

Desde su primer álbum en 1969 hasta conseguir alcanzar su primer número uno con We’re an american band en 1973, Grand Funk Railroad (acortado Grand Funk por motivos legales) desarrollaron un estilo único y mil veces imitado de hard rock blues lleno de pasión, talento, tecnicismo y fuerza. Hasta su (primera) ruptura en 1976 editaron once discos en estudio y dos directos llenos de grandes canciones. He aquí una pequeña muestra de su facilidad para adaptar las canciones de otros a su estilo. Disfrutad.

Inside looking out (1970)

Apareció en el álbum de nombre homónimo. The Animals, con Eric Burdon al frente, la editaron como single apenas cuatro años antes.

The Loco-motion (1974)

La primera vez que se grabó esta canción fue en 1962 y en la voz de Little Eva. Single número uno en Estados Unidos en manos de Grand Funk, canción obligada en sus directos de la época, la grabaron para el álbum Shinin’ On.

Gimme Shelter (1971)

Versión musculada del clásico de los Rolling Stones para el álbum Survival. Toque Hendrix en los arreglos y una línea de bajo increíble. Por cierto, la original la puedes escuchar en el álbum Let it bleed de 1969.

Look at granny run run (1974)

Ya metidos en la ola del éxito grabaron un segundo disco en 1974 (así eran los setenta…). Buscando repetir el éxito de The Loco-motion, grabaron esta cover que Howard Tate cantara en 1966. Funk and roll.

Feelin’ allright (1971)

También en el álbum Survival se atrevieron con esta canción que compuso Dave Mason y grabaran Traffic en 1968 o Joe Cocker un año después.

 

 

Spooky Tooth – Spooky Two – 1969

Spooky Tooth

Spooky Tooth – Spooky Two – 1969

Este álbum esconde una joya brutal titulada Evil woman. Nueve intensos minutos donde la interpretación vocal te engancha sobre la base rítmica y los largos desarrollos y solos no dejan respiro, con una soberbia actuación del guitarrista Luther Grosvenor. Además, el combate vocal entre Mike Harrison y Gary Wright  resulta genial. Otro gran tema de título Better by you, better than me sigue la estela de buena melodía vocal (con un estribillo demoledor) y un riff hard que enganchó a los mimísimos Judas Priest. No falta un pequeño pasaje central que da un dramatismo especial al tema.

Tanto en estos dos cortes como en That was only yesterday (con una acertada armónica de regalo) se aprecia esa mezcla de estilos: base hard rock con elementos de gospel (esos coros), blues, folk e, incluso, heavy primigenio entretejidos, que le hermanan con grupos dispares como Uriah Heep, Atomic Rooster o los mismos Traffic, por poner un par de ejemplos. La mezcla de pasajes eléctricos con otros acústicos y variados cambios de ritmo intentando crear una atmósfera grande caracterizan todo el disco, con pocos momentos para solos y mucho trabajo de grupo.

Spooky Two fue editado en 1969 y contó con la producción de Jimmy Miller (Traffic, The Rolling Stones, Blind Faith). Además de Grosvenor a las guitarras, cuenta con Gary Wright a la voz y los teclados, Mike Harrison es la voz principal y también colabora con las teclas y la base rítmica la conforman Greg Ridley al bajo y Mike Kellie a la batería.

Waitin’ for the wind comienza con un beat de batería al que se suma el teclado con el tema principal y poco a poco el resto de instrumentos hasta llegar a un final ciertamente heavy, con ese bajo y el teclado armándola. En Feelin’ bad quizá sea donde más se asemejen a los de Steve Winwood; tremenda interpretación vocal y buenos pianos, poderosos. Hangman hang my shell on a tree, que cierra el álbum, trae un interesante arrebato emotivo, con fondo espiritual en el estribillo y arreglo de batería excelente, instrumentos de viento y coro multitudinario. Spooky Two es un trabajo breve pero variada donde chocamos con una balada pegajosa con tintes soul de título I’ve got enough heartaches, un intento a lo Barry White en la voz principal, un coro femenino, un bajo bien metido y un buen piano. Contrasta con la grandilocuente Lost in my dream, que tiene un aire southern de guitarras al estilo de Allman Brothers muy interesante; buen teclado y geniales cambios.

A pesar de este gran trabajo, Spooky Tooth no han llegado a calar en la Historia del rock entre los grandes. Una pena que no desarrollaran una carrera más coherente y completa. Solo por este (y su álbum debut) ya están en mi pequeño Olimpo.

Spooky Tooth – Evil woman

 

 

 

 

 

Bill Bruford

billbruford

 

Bill Bruford, batería

Quizá si eres adicto al progresivo y a los clásicos del género te pongas bizco al dedicar un artículo a Bill Bruford en la sección Casi Famosos. La realidad es así de dura: Bruford tiene su hueco en la Historia del rock como músico de bandas míticas, pero su momento de gloria no le ha permitido alcanzar el Olimpo del mainstream. Aún con esas, la carrera de Bill merece un recordatorio ¡y para eso estamos!

Su época dorada se enmarcó entre 1968 y 1974, primero con Yes y después con King Crimson. Tocó en los cinco primeros discos de los británicos Yes, incluyendo el estupendo Close to the edge (72), su última aportación a la banda en casi veinte años. Volvió para grabar el álbum Union (91) y aguantó el correspondiente tour.bruford4

En King Crimson aguantó un par de años, hasta que Robert Fripp deshizo el grupo. Grabó en tres álbumes, destacando Red (74). Se rejuntó en los ochenta (con Fripp y el bajista Tony Levin) para grabar tres álbumes y girar, con cierto éxito, y de nuevo a mitad de los noventa para un álbum en estudio y dos directos.

Si este currículum ya es suficiente, formó parte de Genesis en 1976 durante la gira de A trick on the tail. Se le escucha en el directo Seconds out. En medio de todo esto, le dio tiempo a tocar con bandas de la época como Gong, UK o National Health. A finales de los setenta formó su propia banda con el poco original nombre de Bruford: tres años de grabaciones y giras y tres discos dejó como legado. Su otro gran proyecto personal llevó por nombre Earthworks, un combo de jazz electro-acústico que mantuvo entre su segunda aventura con King Crimson y el retorno de Yes en los noventa.

Se ha mantenido conectado de manera intermitente con la música hasta bien entrado el siglo XXI, como músico de estudio y en colaboraciones puntuales. Ya va para sesenta y cinco años y el cuerpo no es lo que era. Cuarenta años de carrera, tres hijos, dos gatos y una casona en las montañas de Surrey como currículum extra.  Por cierto, gran defensor de la percusión electrónica: le gustaba comparar las distintas baterías con las distintas guitarras… ¿por qué es mejor una acústica que una eléctrica? Cuestión de gustos, estilos y sensibilidades. Gran baterista, gran artista.

Yes – And you and I

 

 

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